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Editoriale

"OGGI LA MUSICA E' IL CARBURANTE PER I CELLULARI"

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“La musica di oggi è il carburante per i cellulari”. Questa riflessione è di Ivano Fossati e risale solo a pochi giorni or sono. Alcuni anni fa, in occasione di una tavola rotonda alla quale partecipai, Eugenio Finardi raccontò un aneddoto divertente ed amaro che lo riguardava personalmente. Dopo mesi di lavoro, recatosi presso la sua casa discografica per fare ascoltare le tracce di quello che avrebbe dovuto essere il suo nuovo album, alla fine dell’audizione si sentì dire da uno dei discografici: “Non male Finardi ma…non avresti qualcosa di più immediato, più fruibile, qualcosa che possa andar bene per le suonerie dei cellulari?”. Non oggi dunque, ma da tempo la musica è diventata il “carburante per i cellulari”. E lo dimostra il bombardamento di produzioni ed ancor più di autoproduzioni che pare un torrente inarrestabile ove tutto scorre e va via, senza però, se non in casi eccezionali, lasciare tracce percettibili e, soprattutto, durature. In un suo blog Red Ronnie ha recentemente dichiarato che personaggi come Celentano, Vasco Rossi, De Andrè,  Battisti e molti altri, nell’epoca dei talent, che è quella che stiamo attraversando, non sarebbero mai stati riconosciuti. Ed il problema ha caratura internazionale, visto che una riflessione analoga ci è giunta nientemeno che da Paul McCartney il quale ha dichiarato senza esitazioni che, in tempi come questi, i Beatles non sarebbero mai nati. Ma, come lo stesso Red Ronnie ha sottolineato, non è che non vi siano in circolazione nuovi talenti, semplicemente non si ha più il tempo di accorgersi di loro. I talent uccidono la musica e generano illusioni, in un perverso vortice di interessi e di superficialità che tutto divora, ma di cui nulla rimane. Con queste consapevolezze arriva la 69a edizione del Festival di Sanremo, l’unico festival della musica sopravvissuto nella programmazione della televisione italiana. Da tempo un fatto di costume ancor più che di canzoni. Una rassegna che fa parte della storia stessa del nostro Paese, che però ha partorito i suoi ultimi gioielli in anni ormai remoti (Laura Pausini ed Eros Ramazzotti). Una manifestazione in cui si sono perse le dimensioni più razionali, tanto che l’ultimo nato nella famiglia dei rapper compare tra i “big” esattamente come la veterana Patty Pravo. Ed un Marco Mengoni che deve a Sanremo quella fragile notorietà sulla quale con molta incertezza di regge il suo personaggio, viene invitato in qualità di ospite. E’ il segno di tempi difficili, di tempi in cui la musica, quella più diffusa, quella più comune, quella più ascoltata è, purtroppo “carburante per i cellulari”.

Giorgio Pezzana

 
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Un tempo, il lungomare romagnolo era tempestato di manifesti che annunciavano serate con Gianni Morandi, Rita Pavone, Patty Pravo, Bobby Solo e tantissimi altri protagonisti della scena musicale di quegli anni. Quasi ogni sera, spesso nei locali in prossimità del mare, era possibile assistere alle performances di questi artisti che con le loro canzoni scandivano tappe e stagioni della nostra adolescenza. Oggi, sullo stesso lungomare, ci si imbatte in serate da tre per uno (cioè, ce ne vogliono tre per farne uno di quelli che impervrsavano in passato, nella fattispecie Umberto Tozzi, Pupo e Riccardo Fogli insieme, nella stessa serata, per tentare di giustificare il prezzo di un biglietto) oppure gli ormai vetusti “Spandau Ballet” annunciati come un evento kolossal a Cesenatico. Si coglie quel che c'è. Del resto, i vincitori dell'ultima edizione del Festival di Sanremo, i tre ragazzi de Il Volo, pare abbiano venduto con il loro “Grande amore” meno di 150mila copie del cd (un tempo vincere a Sanremo significava quasi sempre avvicinarsi o superare il milione di copie vendute, ma si parlava di 45 giri). E sempre per rimanere tra i protagonisti di Sanremo, Anna Tatangelo sarebbe sotto le 5mila copie e Lara Fabian, artista di respiro internazionale, addirittura a stento avrebbe raggiunto le duemila (cifra questa che un artista indipendente in grado di procurarsi un po' di serate in pub e locali vari, raggiunge senza bisogno di calcare il palcoscenico del teatro Ariston). Nei centri commerciali mi è capitato di ascoltare, diffusi dagli altoparlanti dei supermercati e non una volta soltanto, “Di sole e di azzurro”, brano datato 2001, interpretato da Giorgia e “Broken”, brano scritto ed interpretato da Elisa nel 2008. Le radio diffondono a pieni canali “Se telefonando”, cover di Nek tratta da un 45 giri pubblicato da Mina nel 1966. E c'è chi ha reinciso “Eternità”, brano portato al successo da I Camaleonti ed Ornella Vanoni al Festival di Sanremo del 1965. Stiamo vivendo uno dei periodo più difficili sul fronte della creatività in ambito musicale. C'è chi si inerpica su percorsi musicali astrusi e testi cervellotici con scarsi riscontri, chi tenta di spacciare per originali pastrocchi senza senso e spesso i pochi che avrebbero davvero qualcosa da dire, rimangono intrappolati tra le pieghe di un tessuto che ha sempre meno acquirenti e sempre meno appeal. Ecco perchè gli spazi riservati alla musica emergente di area indipendente, rappresentano un patrimonio da salvaguardare, un piccolo serbatoio dal quale è ancora possibile, sia pure sporadicamente, ricavare qualcosa di ascoltabile in un periodo, speriamo transitorio, in cui il mondo della discografia, saldamente dominato dalle major, pare non riuscire più ad uscire da un vortice di assenza di idee che non ha precedenti.

Giorgio Pezzana

 

A seguire, pubblichiamo il commento di Marydim (Mariangela Di Michele), cantautrice di lungo corso, già apparsa con un seguitissimo editoriale sulla nostra rivista.

"I pochi che avrebbero qualcosa da dire"... Stanno a casa, intrappolati in un sistema che li lega mani e piedi, li imbavaglia, li costringe all'inattivitá e al silenzio...Forse non sono neppure pochi, ma di sicuro son qua, ci sono...e passeggiando per le vie della cittá, sul lungomare, in un centro commerciale, accendendo la radio in macchina, con un sorriso malinconico o con un broncio incazzato, stanno a chiedersi dopo venti anni di tentativi e premi e serate riuscite, quale diavolo sia la strada per "arrivare", quale la via per giungere "alla popolaritá" intesa come realizzazione ed ufficializzazione di un percorso di lavoro e di impegno e di sogno e di scrittura continuo... Con le loro belle canzoni ferme... A rammaricarsi e...click...a spegnere la radio.

Marydim

Circa un mese fa, in un bel pomeriggio di fine primavera, ero con Niccolò Fabi ed Agostino Marangolo. Uno di quei colpi di fortuna che non capitano spesso. Ci si confrontava su come si scrivono le canzoni, su come è cambiato il mondo della musica negli ultimi trent’anni. Agostino, nonostante i suoi decenni da protagonista della storia della musica italiana, decide di fare una domanda a Niccolò: ”…Ma quindi, secondo te, un emergente che non vuole passare dai talent show, come fa a sfondare?”. Avessi avuto meno timore reverenziale, l’avrei fatta io questa domanda a Fabi. Eppure, forse, non era questa la domanda giusta. Io credo che bisognerebbe interrogarsi, invece, su come il “culto dell’immagine” abbia ottenuto il dominio assoluto, anche in quello che dovrebbe essere per definizione il regno dell’udito: la Musica. Ad un certo punto, nel mondo della musica, il fulcro si è misteriosamente (?) spostato dalle orecchie, agli occhi. E questo non ha riguardato solo la discografia, ma anche la musica dal vivo. Mentre il “videoclip” diventava parte integrante e obbligatoria di una canzone di successo, i concerti diventavano sempre più necessariamente degli spettacoli in cui le scenografie e le luci prevaricavano sul suono. I talent show, la “semplificazione” (quando non l’impoverimento) delle produzioni musicali, sono solo sintomi, e nemmeno tutti, di questa sindrome da “tossicodipendenza dall’immagine”. Resta da capire, però, quale possa essere la cura. Io, lo confesso, di ricette non ne ho. Sono convinto, però, che ognuno di noi sia vittima e responsabile di tutto questo. Ed ognuno deve fare il suo, per guarire. Allora, forse, il fruitore della musica (perché, oggi la musica è un “servizio”, non più un prodotto) dovrebbe riabilitarsi all’ascolto. Come in una sorta di fisioterapia. Ascoltando ad occhi chiusi, allenando l’udito alle sfumature ed ai particolari, vincendo la paura del nuovo e dell’“impegnativo”. E ancora, forse, dovremmo entrare nelle scuole, prima che sia troppo tardi. Ad insegnare l’ascolto a bambini che il culto dell’immagine ce l’hanno ormai nel dna. E cosa dovrebbero fare, invece, quelli come me che la musica la fanno? Per questo, una ricetta ce l’ho: me l’ha data quel famoso pomeriggio Niccolò Fabi: “Secondo me, oggi un cantautore si deve chiedere perché scrive canzoni. Se scrive canzoni con l’obiettivo di diventare famoso, allora è meglio che lasci perdere. Fare musica originale, di questi tempi, non è il modo migliore di emergere. Se invece un cantautore scrive canzoni perché ha bisogno di esprimere ciò che pensa, questo problema non se lo pone nemmeno. Scrive le sue canzoni e le canta. Se poi è pure bravo, io credo che prima o poi viene fuori in qualche modo”. Sì. Noi dobbiamo scrivere e cantare canzoni per dire qualcosa, non per essere qualcuno.

Pier Dragone

Il rock e' morto. Si sa, esisteva una musica bella, poi è arrivato il grunge e qualsiasi cosa mal suonata diventava un successo. Fino a spararsi in bocca. Però è un parere opinabile e soggettivo (esiste sempre qualcuno con il gusto dell'orrido). Ed io sono troppo una vecchia cariatide ed inoltre sono testardo come un mulo bolso. Quindi archiviamo la cosa e non litighiamo, che è inutile, ha vinto Mtv. E citiamo School of Rock: "...Una volta esisteva il rock, il rock era contro il potente...poi il potente ha ucciso la musica con una cosina chiamata Mtv…". E non facciamo i ruffianetti a vestirci Denim & Leather e poi guardare i video dei Falling in “Reverse” o dei Bring me the horizon eh... Certo, i '70 e gli '80 erano anni meravigliosi, ricordo il mio primo vinile, regalatomi da mia zia..."Are you experienced?" di Jimi Hendrix. E poi innamorarsi degli Eagles e dei Black Sabbath, dei Dire Straits e dei Judas Priest, della dark wave dei New Order o del power degli Helloween (tuttora i miei amori ). Chissene... era tutto rock, la musica o è bella o è brutta. Stop. Le cose belle, si sa, prima o poi svaniscono... due di queste sono la giovinezza ed il rock fatto con sangue sudore e puzza di cuoio. I vecchi pian piano ci lasciano ed a volte uno ha un poco di amaro in bocca e nel cuore, perchè' i tempi cambiano. Quello che deve però preoccuparci, non è il passato, ma il futuro... I grandi musicisti stanno scomparendo uno dopo l'altro (è stato il turno in questi giorni  di Chris Squire fondatore dei mitici Yes…). E non vedo strumentisti in grado di prendere il posto dei grandi che pian piano stanno tutti andando in un posto migliore, dove i musicisti suonano sette  giorni su sette e sono pagati il giusto ( si chiama paradiso). Nel mio campo specifico, per fortuna, molti ottimi chitarristi sono ancora in vita, ma un Van Halen non durerà in eterno, un BB King è andato da poco... chi prenderà il loro posto? Un Rusty Cooley o un John Petrucci qualunque? E peggio negli altri campi... Inoltre, giustamente uno può dire: vabbeh sono strumentisti, al che mi sorge un ulteriore quesito:chi scriverà belle canzoni? Non solo canzoni rock, anche il cantautorato soffre... Dalla è di la, Guccini ha detto stop (piango...)... chi mi farà riflettere? La difficoltà di questa risposta è epica. La risposta in entrambi i casi probabilmente è solo un semplice, enorme,  “BOH...”, denso di rimpianti e di attese.

Alessio Camaiti (Rex Ashwind)

Ci sono concorsi riservati ad artisti emergenti, non importa quali, importa sapere che sono più d'uno, che come premio riservato al vincitore ci mettono borse di studio, talvolta anche di consistenza interessante, rendendo appetibile la partecipazione. Tralasciando quei concorsi che richiedono tasse di iscrizione più o meno importanti e che, solo per questo, dovrebbero essere evitati (non è onesto far pagare i sogni), ne rimangono altri i cui meccanismi sono spesso altrettanto discutibili.  Sto parlando di quei concorsi, dotati appunto di borse di studio, destinate alla partecipazione a corsi musicali presso centri, scuole, associazioni quasi sempre gestiti dallo stesso soggetto che è animatore o comunque figura di prino piano nell'organizzazione delle rassegne. Ciò che significa? Che i soldi delle borse di studio che escono dalla porta principale nel momento della gioiosa premiazione, sono quasi sempre destinati a rientrare dalla finestra, in momenti assai meno vistosi ed eclatanti. Come? Semplice. Se chi organizza la rassegna musicale o ne è figura di riferimento è per caso anche musicista-docente, o responsabile di scuole musicali, o figura di riferimento di centri che si occupano di musica, alla fine sarà anche colui che “recupererà” in parte o del tutto la somma stanziata per la borsa di studio destinata al vincitore e vincolata alla partecipazione a corsi di formazione musicale. Corsi gestiti da chi? Guarda caso proprio da chi organizza il festival o ne è figura di riferimento. Insomma, se ricevo mille euro che devo necessariamente utilizzare per partecipare a un corso di formazione e quel corso è in qualche modo gestito da una figura di riferimento del festival, io quei mille euro, nel volgere di pochi mesi, li restituirò a chi me li ha dati. Con qualche possibile variante: se colui al quale li restituirò è l'organizzatore della rassegna, non farà altro che recuperare la cifra stanziata (spesso messa a disposizione da pubbliche amministrazioni attraverso l'intricato sistema dei contributi destinati alla cultura e allo spettacolo); se si tratta invece di figura di riferimento, è probabile che quella somma venga ridistribuita in parti più o meno eguali tra chi organizza e chi fa da testimonial del concorso. Certo, i corsi promessi devono in qualche modo avere svolgimento e comportano qualche spesa. Però, immaginate con quale stato d'animo un artista, dico a caso, di Messina, può venire a trovarsi quando riceve una borsa di studio che lo vincola a prendere parte a corsi che si svolgono, faccio per dire, a Milano? E' il meccanismo in sé che non convince. E' soprattutto il fatto che dietro a certi “specchietti per le allodole” si muovono spesso dei professionisti che vivono di concorsi e rassegne, speculando sui sogni di tanti ragazzi o che mettono il marchio di una notorietà acquisita nel tempo (dietro congruo compenso) facendosi garanti di premi che alla fine gratificano solo loro stessi.

Giorgio Pezzana

“Ho sempre avuto il timore di essere protagonista, e il terrore addirittura di essere invadente; aggiungi anche la mia pigrizia. Quindi ho sempre considerato i rapporti con i media uno stress evitabile.” Leggendo questa frase verrebbe quasi spontaneo pensare che chi l’ha pronunciata non potrebbe mai far parte del mondo della musica o, per lo meno, non con successo. Eppure chi l’ha proferita è forse uno dei più immensi cantautori che la storia della musica italiana possa vantare di aver avuto. Fabrizio De Andrè è ammirato e conosciuto in tutta Europa. Certo anche Eros Ramazzotti lo è, ma Ramazzotti non ha apportato alcun cambiamento al pensiero di generazioni, non ha lasciato dietro di se nessun’eredità artistica, a differenza di De Andrè, che ancor oggi continua ad ispirare cantautori dal timbro grave e serio, poeti in equilibrio tra l’impegno politico e la bestemmia facile, carovane di folk band barricate nell’ormai familiare endecasillabo con rima baciata. Ma quindi, qual è la differenza tra un’opera e un prodotto? Un prodotto è qualcosa di cui si sente il bisogno e si desidera possedere, qualcosa che ci appare conquistabile, ed il goderne ci appaga. Il prodotto è qualcosa che si consuma avidamente, e solitamente in breve tempo. Un’opera è qualcosa che può lasciarci di stucco, può turbare o lasciare addirittura interdetti, può sorprendere e meravigliare. Ci appare ardua da afferrare, ma ci affascina e ci incanta terribilmente perché ciò che la distingue veramente da un semplice prodotto è che l’opera permane, resiste al tempo. Spesso mi è stata posta questa domanda: la musica è un’opera o un prodotto? La mia risposta è sempre la stessa: ci sono musicisti artisti e musicisti intrattenitori. Queste due distinzioni esistono da sempre e sempre ci saranno. Oggi però è molto più frequente e facile confondersi. E’ in atto una macchinazione di camuffamento, in cui spesso i più distratti inciampano. Così come stiamo lasciando che i cinesi contraffacciano le nostre tradizioni artigianali, con un’iperproduzione di massa e di bassa qualità, regalandoci l’illusione di poterci permettere tutto e a poco, anche l’industria musicale è passata agli armamenti e noi, come in tutte le guerre invisibili, siamo testimoni e protagonisti occulti. Stiamo lasciando che il prestigiatore faccia apparire il trucco una magia. Cosa credete che siano i talent show, se non una grande macchina che produce intrattenimento e intrattenitori? Anche tu, critico musicale, giornalista, A&R di una casa discografica, che il sabato sera ti tira il culo ad andare ad ascoltare un nuovo gruppo o una cantautrice che ti ha scritto decine di volte e a cui non hai mai risposto, anche tu sei complice di questo declino. La risposta alla crisi del mercato musicale, le grandi Major l’hanno trovata nei talent show, dove si guadagnano cifre da capogiro sulle edizioni di celebri canzoni, di cui detengono i diritti editoriali, che fanno interpretare, in prima serata tv, ai ragazzi che sognano di diventare  grandi “artisti”. Una fabbrica d’illusioni e aspettative costruite sulle grandi difficoltà che oggi si devono affrontare per guadagnarsi una nicchia di pubblico, un esercito di ragazzi che cantano e ballano divinamente ma incapaci di scrivere un testo o di produrre una coreografia, e professionisti  del pianto facile e senza pudore di fronte a telecamere in diretta tv ma totalmente ignari di cosa siano lacrime e gioie della vita di un musicista, di un tour in un furgone del ‘89, della gavetta sui palchi veri, della gestione di un pubblico che ti ascolta cantare per la prima volta, da conquistare e sempre pronto a giudicare. E poi ci sono le nostre colpe: vogliamo essere famosi senza soffrire, vogliamo essere ricchi senza lavorare, vogliamo lavorare senza rischiare, vogliamo andare via senza rinunciare a quello che abbiamo. Sì, la musica è un prodotto e noi siamo i suoi consumatori, ma esiste anche un’altra faccia della medaglia e dipende sempre e solo da noi capire da che parte stare. Tutto ha un prezzo. E per concludere, cito la frase di una donna, una cantautrice, una rocker italiana che ha fatto sempre scelte coraggiose, guadagnandosi la stima e il successo più bello che un’artista possa desiderare, perché saper “scegliere” oggi, è l’unica vera forma di rivoluzione, ma ricordiamoci che “Ad ogni rinuncia corrisponde sempre una contropartita”.

Marzia Stano aka Una

 

Riceviamo:

Trovo l'editoriale di Marzia Stano (Una) drammaticamente vero. La musica italiana ruota tutta vorticosamente intorno a bravissime/i cantanti che però non dicono mai nulla al di fuori di parole altrui e comunque, centrate su una idea stereotipata di amore. Ed anche quando vi è qualche timido accenno ad amori diversi mai, se non nel caso di Marzia, si coglie l'intima ed irrinunciabile connessione tra i vissuti personali, le storie individuali ed i contesti sociali o politici in cui quelle storie albergano. Calare una storia di amore in un costesto come quello di Taranto e della devastazione che l'Ilva ha prodotto e continua a produrre in quella città è esattamente quello che cantautori degni di questo nome hanno fatto. da De Andrè a Piero Ciampi. Persino Celentano e' riuscito a fare questa opera di fusione ed a cogliere le connessioni tra il vivere individuale e quello colletivo, tra denuncia e nostalgia, tra rimpianto e speranza. tra humor e tristezza. Ma come si fa concretamente ad aiutare questi nuovi talenti coraggiosi ad emergere sul serio? Forse potenziando e rendendo grandi i festival della canzone d'autore come Giorgio Pezzana ed il suo coraggioso team fa a Biella. Occorre potenziare questo sforzo procurandosi però quegli appoggi e quegli aiuti concreti che ne farebbero eventi importanti e rappresentativi come purtroppo ancora oggi sono Sanremo ed i terribili talent. Non credete?”

Lucia Laterza

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Il Commento

ECCO I MOTIVI DELLE RECENSIONI SENZA FRETTA

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Qualcuno in questi giorni mi ha chiesto per quale ragione le recensioni degli album su “Un'altra Music@” compaiano sistematicamente a distanza di qualche settimana, se non di qualche mese, dalla loro pubblicazione. Si tratta di una scelta o di un'esigenza dettata dalle ridotte dimensioni della nostra redazione e degli spazi sul magazine? Fermo restando che in redazione siamo in pochissimi e ci siamo imposti di ascoltare sempre tutto ciò che finisce sulle nostre scrivanie (contrariamente a quanto fanno altri che si limitano a fare il copia/incolla di quanto inviano le agenzie di stampa), il che richiede tempo, molto tempo, è anche una scelta dettata da una riflessione più ampia. Da quando le nuove tecnologie hanno di fatto ridotto ai minimi termini il mercato discografico, abbiamo assistito al trionfo dell'usa e getta che tutto divora e tutto azzera. Cosicchè, di un cd uscito oggi, sulle riviste specializzate, si parla nei prossimi cinque giorni, dopodichè cala il silenzio. Tutti ne scrivono insieme e tutti lo fanno subito. In virtù di quella esigenza di “stare sul pezzo” che, se è irrinunciabile qualora ci si occupi di cronaca, non lo è affatto quando ci si occupa di arte in genere (dalla musica al settore editoriale, dall'arte visiva alle programmazioni teatrali). In tal modo, un prodotto che ha richiesto mesi quando non anni di lavoro, “sfiorisce” in pochi giorni soppiantato da altre produzioni, destinate a fare la medesima fine. “Un'altra Music@”, ponendosi in alternativa rispetto alle dilaganti tempistiche dei lanci e della promozione discografica, non intende farsi risucchiare da questo vortice, che sta alla base del mancato consolidamento di tante produzioni discografiche, ma anche della mancata affermazione di artisti ai quali non viene più concesso il tempo di “crescere” e di entrare in sintonia con il pubblico. Il pubblicare una recensione settimane o mesi dopo l'uscita di un album, significa continuare a fare vivere quel prodotto, significa sottoporlo nuovamente all'attenzione di chi legge e di chi ascolta, recuperando le distrazioni di coloro che, fuorviati dalla frenesia delle uscite in tempo reale, si sono forse persi la possibilità di cogliere il senso di una canzone o il percorso artistico di un album. Una rivista che si occupa di musica non ha e non deve avere i tempi della cronaca. Né ha esigenze di primogenitura. Non importa se prima di noi a scrivere di quel cd sono state altre riviste. Importa la professionalità con la quale noi ci accostiamo a quel lavoro, l'attenzione che gli dedichiamo, il rispetto che portiamo a chi ci ha richiesto un parere. Oltre alla già espressa convinzione che non vi sia lavoro musicale o comunque artistico che possa esaurirsi in cinque giorni. Ed a costo di sembrare “passatista” a tale proposito mi piace ricordare che nel tempo dei vinili le canzoni di maggior successo del Festival di Sanremo occupavano le classifiche discografiche sino a maggio, per poi lasciare il posto ai brani di “Un disco per l'estate” che si contendevano i piazzamenti sino a ottobre. Altri tempi, certo. Tempi in cui la musica si ascoltava davvero ed il lavoro di un artista era un progetto al quale veniva concesso il tempo per esplicarsi e svilupparsi. Se ciò non accadeva i fattori avversi erano altri, non certo l'ansia di divorare tutto e subito.

G. Pe.

 

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