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Editoriale

IL CULTO DELL'IMMAGINE AFFONDA LA MUSICA

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Circa un mese fa, in un bel pomeriggio di fine primavera, ero con Niccolò Fabi ed Agostino Marangolo. Uno di quei colpi di fortuna che non capitano spesso. Ci si confrontava su come si scrivono le canzoni, su come è cambiato il mondo della musica negli ultimi trent’anni. Agostino, nonostante i suoi decenni da protagonista della storia della musica italiana, decide di fare una domanda a Niccolò: ”…Ma quindi, secondo te, un emergente che non vuole passare dai talent show, come fa a sfondare?”. Avessi avuto meno timore reverenziale, l’avrei fatta io questa domanda a Fabi. Eppure, forse, non era questa la domanda giusta. Io credo che bisognerebbe interrogarsi, invece, su come il “culto dell’immagine” abbia ottenuto il dominio assoluto, anche in quello che dovrebbe essere per definizione il regno dell’udito: la Musica. Ad un certo punto, nel mondo della musica, il fulcro si è misteriosamente (?) spostato dalle orecchie, agli occhi. E questo non ha riguardato solo la discografia, ma anche la musica dal vivo. Mentre il “videoclip” diventava parte integrante e obbligatoria di una canzone di successo, i concerti diventavano sempre più necessariamente degli spettacoli in cui le scenografie e le luci prevaricavano sul suono. I talent show, la “semplificazione” (quando non l’impoverimento) delle produzioni musicali, sono solo sintomi, e nemmeno tutti, di questa sindrome da “tossicodipendenza dall’immagine”. Resta da capire, però, quale possa essere la cura. Io, lo confesso, di ricette non ne ho. Sono convinto, però, che ognuno di noi sia vittima e responsabile di tutto questo. Ed ognuno deve fare il suo, per guarire. Allora, forse, il fruitore della musica (perché, oggi la musica è un “servizio”, non più un prodotto) dovrebbe riabilitarsi all’ascolto. Come in una sorta di fisioterapia. Ascoltando ad occhi chiusi, allenando l’udito alle sfumature ed ai particolari, vincendo la paura del nuovo e dell’“impegnativo”. E ancora, forse, dovremmo entrare nelle scuole, prima che sia troppo tardi. Ad insegnare l’ascolto a bambini che il culto dell’immagine ce l’hanno ormai nel dna. E cosa dovrebbero fare, invece, quelli come me che la musica la fanno? Per questo, una ricetta ce l’ho: me l’ha data quel famoso pomeriggio Niccolò Fabi: “Secondo me, oggi un cantautore si deve chiedere perché scrive canzoni. Se scrive canzoni con l’obiettivo di diventare famoso, allora è meglio che lasci perdere. Fare musica originale, di questi tempi, non è il modo migliore di emergere. Se invece un cantautore scrive canzoni perché ha bisogno di esprimere ciò che pensa, questo problema non se lo pone nemmeno. Scrive le sue canzoni e le canta. Se poi è pure bravo, io credo che prima o poi viene fuori in qualche modo”. Sì. Noi dobbiamo scrivere e cantare canzoni per dire qualcosa, non per essere qualcuno.

Pier Dragone

 
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Circa un mese fa, in un bel pomeriggio di fine primavera, ero con Niccolò Fabi ed Agostino Marangolo. Uno di quei colpi di fortuna che non capitano spesso. Ci si confrontava su come si scrivono le canzoni, su come è cambiato il mondo della musica negli ultimi trent’anni. Agostino, nonostante i suoi decenni da protagonista della storia della musica italiana, decide di fare una domanda a Niccolò: ”…Ma quindi, secondo te, un emergente che non vuole passare dai talent show, come fa a sfondare?”. Avessi avuto meno timore reverenziale, l’avrei fatta io questa domanda a Fabi. Eppure, forse, non era questa la domanda giusta. Io credo che bisognerebbe interrogarsi, invece, su come il “culto dell’immagine” abbia ottenuto il dominio assoluto, anche in quello che dovrebbe essere per definizione il regno dell’udito: la Musica. Ad un certo punto, nel mondo della musica, il fulcro si è misteriosamente (?) spostato dalle orecchie, agli occhi. E questo non ha riguardato solo la discografia, ma anche la musica dal vivo. Mentre il “videoclip” diventava parte integrante e obbligatoria di una canzone di successo, i concerti diventavano sempre più necessariamente degli spettacoli in cui le scenografie e le luci prevaricavano sul suono. I talent show, la “semplificazione” (quando non l’impoverimento) delle produzioni musicali, sono solo sintomi, e nemmeno tutti, di questa sindrome da “tossicodipendenza dall’immagine”. Resta da capire, però, quale possa essere la cura. Io, lo confesso, di ricette non ne ho. Sono convinto, però, che ognuno di noi sia vittima e responsabile di tutto questo. Ed ognuno deve fare il suo, per guarire. Allora, forse, il fruitore della musica (perché, oggi la musica è un “servizio”, non più un prodotto) dovrebbe riabilitarsi all’ascolto. Come in una sorta di fisioterapia. Ascoltando ad occhi chiusi, allenando l’udito alle sfumature ed ai particolari, vincendo la paura del nuovo e dell’“impegnativo”. E ancora, forse, dovremmo entrare nelle scuole, prima che sia troppo tardi. Ad insegnare l’ascolto a bambini che il culto dell’immagine ce l’hanno ormai nel dna. E cosa dovrebbero fare, invece, quelli come me che la musica la fanno? Per questo, una ricetta ce l’ho: me l’ha data quel famoso pomeriggio Niccolò Fabi: “Secondo me, oggi un cantautore si deve chiedere perché scrive canzoni. Se scrive canzoni con l’obiettivo di diventare famoso, allora è meglio che lasci perdere. Fare musica originale, di questi tempi, non è il modo migliore di emergere. Se invece un cantautore scrive canzoni perché ha bisogno di esprimere ciò che pensa, questo problema non se lo pone nemmeno. Scrive le sue canzoni e le canta. Se poi è pure bravo, io credo che prima o poi viene fuori in qualche modo”. Sì. Noi dobbiamo scrivere e cantare canzoni per dire qualcosa, non per essere qualcuno.

Pier Dragone

Il rock e' morto. Si sa, esisteva una musica bella, poi è arrivato il grunge e qualsiasi cosa mal suonata diventava un successo. Fino a spararsi in bocca. Però è un parere opinabile e soggettivo (esiste sempre qualcuno con il gusto dell'orrido). Ed io sono troppo una vecchia cariatide ed inoltre sono testardo come un mulo bolso. Quindi archiviamo la cosa e non litighiamo, che è inutile, ha vinto Mtv. E citiamo School of Rock: "...Una volta esisteva il rock, il rock era contro il potente...poi il potente ha ucciso la musica con una cosina chiamata Mtv…". E non facciamo i ruffianetti a vestirci Denim & Leather e poi guardare i video dei Falling in “Reverse” o dei Bring me the horizon eh... Certo, i '70 e gli '80 erano anni meravigliosi, ricordo il mio primo vinile, regalatomi da mia zia..."Are you experienced?" di Jimi Hendrix. E poi innamorarsi degli Eagles e dei Black Sabbath, dei Dire Straits e dei Judas Priest, della dark wave dei New Order o del power degli Helloween (tuttora i miei amori ). Chissene... era tutto rock, la musica o è bella o è brutta. Stop. Le cose belle, si sa, prima o poi svaniscono... due di queste sono la giovinezza ed il rock fatto con sangue sudore e puzza di cuoio. I vecchi pian piano ci lasciano ed a volte uno ha un poco di amaro in bocca e nel cuore, perchè' i tempi cambiano. Quello che deve però preoccuparci, non è il passato, ma il futuro... I grandi musicisti stanno scomparendo uno dopo l'altro (è stato il turno in questi giorni  di Chris Squire fondatore dei mitici Yes…). E non vedo strumentisti in grado di prendere il posto dei grandi che pian piano stanno tutti andando in un posto migliore, dove i musicisti suonano sette  giorni su sette e sono pagati il giusto ( si chiama paradiso). Nel mio campo specifico, per fortuna, molti ottimi chitarristi sono ancora in vita, ma un Van Halen non durerà in eterno, un BB King è andato da poco... chi prenderà il loro posto? Un Rusty Cooley o un John Petrucci qualunque? E peggio negli altri campi... Inoltre, giustamente uno può dire: vabbeh sono strumentisti, al che mi sorge un ulteriore quesito:chi scriverà belle canzoni? Non solo canzoni rock, anche il cantautorato soffre... Dalla è di la, Guccini ha detto stop (piango...)... chi mi farà riflettere? La difficoltà di questa risposta è epica. La risposta in entrambi i casi probabilmente è solo un semplice, enorme,  “BOH...”, denso di rimpianti e di attese.

Alessio Camaiti (Rex Ashwind)

Ci sono concorsi riservati ad artisti emergenti, non importa quali, importa sapere che sono più d'uno, che come premio riservato al vincitore ci mettono borse di studio, talvolta anche di consistenza interessante, rendendo appetibile la partecipazione. Tralasciando quei concorsi che richiedono tasse di iscrizione più o meno importanti e che, solo per questo, dovrebbero essere evitati (non è onesto far pagare i sogni), ne rimangono altri i cui meccanismi sono spesso altrettanto discutibili.  Sto parlando di quei concorsi, dotati appunto di borse di studio, destinate alla partecipazione a corsi musicali presso centri, scuole, associazioni quasi sempre gestiti dallo stesso soggetto che è animatore o comunque figura di prino piano nell'organizzazione delle rassegne. Ciò che significa? Che i soldi delle borse di studio che escono dalla porta principale nel momento della gioiosa premiazione, sono quasi sempre destinati a rientrare dalla finestra, in momenti assai meno vistosi ed eclatanti. Come? Semplice. Se chi organizza la rassegna musicale o ne è figura di riferimento è per caso anche musicista-docente, o responsabile di scuole musicali, o figura di riferimento di centri che si occupano di musica, alla fine sarà anche colui che “recupererà” in parte o del tutto la somma stanziata per la borsa di studio destinata al vincitore e vincolata alla partecipazione a corsi di formazione musicale. Corsi gestiti da chi? Guarda caso proprio da chi organizza il festival o ne è figura di riferimento. Insomma, se ricevo mille euro che devo necessariamente utilizzare per partecipare a un corso di formazione e quel corso è in qualche modo gestito da una figura di riferimento del festival, io quei mille euro, nel volgere di pochi mesi, li restituirò a chi me li ha dati. Con qualche possibile variante: se colui al quale li restituirò è l'organizzatore della rassegna, non farà altro che recuperare la cifra stanziata (spesso messa a disposizione da pubbliche amministrazioni attraverso l'intricato sistema dei contributi destinati alla cultura e allo spettacolo); se si tratta invece di figura di riferimento, è probabile che quella somma venga ridistribuita in parti più o meno eguali tra chi organizza e chi fa da testimonial del concorso. Certo, i corsi promessi devono in qualche modo avere svolgimento e comportano qualche spesa. Però, immaginate con quale stato d'animo un artista, dico a caso, di Messina, può venire a trovarsi quando riceve una borsa di studio che lo vincola a prendere parte a corsi che si svolgono, faccio per dire, a Milano? E' il meccanismo in sé che non convince. E' soprattutto il fatto che dietro a certi “specchietti per le allodole” si muovono spesso dei professionisti che vivono di concorsi e rassegne, speculando sui sogni di tanti ragazzi o che mettono il marchio di una notorietà acquisita nel tempo (dietro congruo compenso) facendosi garanti di premi che alla fine gratificano solo loro stessi.

Giorgio Pezzana

“Ho sempre avuto il timore di essere protagonista, e il terrore addirittura di essere invadente; aggiungi anche la mia pigrizia. Quindi ho sempre considerato i rapporti con i media uno stress evitabile.” Leggendo questa frase verrebbe quasi spontaneo pensare che chi l’ha pronunciata non potrebbe mai far parte del mondo della musica o, per lo meno, non con successo. Eppure chi l’ha proferita è forse uno dei più immensi cantautori che la storia della musica italiana possa vantare di aver avuto. Fabrizio De Andrè è ammirato e conosciuto in tutta Europa. Certo anche Eros Ramazzotti lo è, ma Ramazzotti non ha apportato alcun cambiamento al pensiero di generazioni, non ha lasciato dietro di se nessun’eredità artistica, a differenza di De Andrè, che ancor oggi continua ad ispirare cantautori dal timbro grave e serio, poeti in equilibrio tra l’impegno politico e la bestemmia facile, carovane di folk band barricate nell’ormai familiare endecasillabo con rima baciata. Ma quindi, qual è la differenza tra un’opera e un prodotto? Un prodotto è qualcosa di cui si sente il bisogno e si desidera possedere, qualcosa che ci appare conquistabile, ed il goderne ci appaga. Il prodotto è qualcosa che si consuma avidamente, e solitamente in breve tempo. Un’opera è qualcosa che può lasciarci di stucco, può turbare o lasciare addirittura interdetti, può sorprendere e meravigliare. Ci appare ardua da afferrare, ma ci affascina e ci incanta terribilmente perché ciò che la distingue veramente da un semplice prodotto è che l’opera permane, resiste al tempo. Spesso mi è stata posta questa domanda: la musica è un’opera o un prodotto? La mia risposta è sempre la stessa: ci sono musicisti artisti e musicisti intrattenitori. Queste due distinzioni esistono da sempre e sempre ci saranno. Oggi però è molto più frequente e facile confondersi. E’ in atto una macchinazione di camuffamento, in cui spesso i più distratti inciampano. Così come stiamo lasciando che i cinesi contraffacciano le nostre tradizioni artigianali, con un’iperproduzione di massa e di bassa qualità, regalandoci l’illusione di poterci permettere tutto e a poco, anche l’industria musicale è passata agli armamenti e noi, come in tutte le guerre invisibili, siamo testimoni e protagonisti occulti. Stiamo lasciando che il prestigiatore faccia apparire il trucco una magia. Cosa credete che siano i talent show, se non una grande macchina che produce intrattenimento e intrattenitori? Anche tu, critico musicale, giornalista, A&R di una casa discografica, che il sabato sera ti tira il culo ad andare ad ascoltare un nuovo gruppo o una cantautrice che ti ha scritto decine di volte e a cui non hai mai risposto, anche tu sei complice di questo declino. La risposta alla crisi del mercato musicale, le grandi Major l’hanno trovata nei talent show, dove si guadagnano cifre da capogiro sulle edizioni di celebri canzoni, di cui detengono i diritti editoriali, che fanno interpretare, in prima serata tv, ai ragazzi che sognano di diventare  grandi “artisti”. Una fabbrica d’illusioni e aspettative costruite sulle grandi difficoltà che oggi si devono affrontare per guadagnarsi una nicchia di pubblico, un esercito di ragazzi che cantano e ballano divinamente ma incapaci di scrivere un testo o di produrre una coreografia, e professionisti  del pianto facile e senza pudore di fronte a telecamere in diretta tv ma totalmente ignari di cosa siano lacrime e gioie della vita di un musicista, di un tour in un furgone del ‘89, della gavetta sui palchi veri, della gestione di un pubblico che ti ascolta cantare per la prima volta, da conquistare e sempre pronto a giudicare. E poi ci sono le nostre colpe: vogliamo essere famosi senza soffrire, vogliamo essere ricchi senza lavorare, vogliamo lavorare senza rischiare, vogliamo andare via senza rinunciare a quello che abbiamo. Sì, la musica è un prodotto e noi siamo i suoi consumatori, ma esiste anche un’altra faccia della medaglia e dipende sempre e solo da noi capire da che parte stare. Tutto ha un prezzo. E per concludere, cito la frase di una donna, una cantautrice, una rocker italiana che ha fatto sempre scelte coraggiose, guadagnandosi la stima e il successo più bello che un’artista possa desiderare, perché saper “scegliere” oggi, è l’unica vera forma di rivoluzione, ma ricordiamoci che “Ad ogni rinuncia corrisponde sempre una contropartita”.

Marzia Stano aka Una

 

Riceviamo:

Trovo l'editoriale di Marzia Stano (Una) drammaticamente vero. La musica italiana ruota tutta vorticosamente intorno a bravissime/i cantanti che però non dicono mai nulla al di fuori di parole altrui e comunque, centrate su una idea stereotipata di amore. Ed anche quando vi è qualche timido accenno ad amori diversi mai, se non nel caso di Marzia, si coglie l'intima ed irrinunciabile connessione tra i vissuti personali, le storie individuali ed i contesti sociali o politici in cui quelle storie albergano. Calare una storia di amore in un costesto come quello di Taranto e della devastazione che l'Ilva ha prodotto e continua a produrre in quella città è esattamente quello che cantautori degni di questo nome hanno fatto. da De Andrè a Piero Ciampi. Persino Celentano e' riuscito a fare questa opera di fusione ed a cogliere le connessioni tra il vivere individuale e quello colletivo, tra denuncia e nostalgia, tra rimpianto e speranza. tra humor e tristezza. Ma come si fa concretamente ad aiutare questi nuovi talenti coraggiosi ad emergere sul serio? Forse potenziando e rendendo grandi i festival della canzone d'autore come Giorgio Pezzana ed il suo coraggioso team fa a Biella. Occorre potenziare questo sforzo procurandosi però quegli appoggi e quegli aiuti concreti che ne farebbero eventi importanti e rappresentativi come purtroppo ancora oggi sono Sanremo ed i terribili talent. Non credete?”

Lucia Laterza

Nel maggio del 1970, cioè 45 anni or sono, nei primi dieci posti della hit parade italiana, figuravano tra gli altri “La prima cosa bella” cantata da Nicola di Bari e “Eternità” portata al successo dai Camaleonti. Entrambe canzoni che erano state presentate all'edizione del Festival di San Remo dello stesso anno, svoltosi tra il 26 ed il 28 febbraio, al Casinò della città dei fiori. Nell'aprile di quest'anno, la classifica discografica riservata ai singoli, equiparabili in qualche modo ai vecchi 45 giri, già non presentava più, se non in posizioni assolutamente irrilevanti, nessuno dei brani presentati in gara a Sanremo solo tre mesi prima. E' l'eloquente fotografia di una situazione che evidentemente va al di là della semplicistica affermazione di chi sostiene che i tempi sono cambiati. Nel 1970 o comunque in quegli anni, prima del Festival di Sanremo, l'altro grande evento televisivo era “Canzonissima” e con l'inizio della primavera, cioè poco dopo la conclusione del festivalone, partiva “Un disco per l'estate”. Tre grossi supermercati televisivi per la discografia, di fatto uno dopo l'altro, dai quali emergevano sistematicamente successi dalle 250mila copie vendute in su. Oggi, secondo quando asserito dalla Fimi, l'organo che promuove e tutela l'attività dell'industria discografica, per quel che riguarda i singoli, il “disco d'oro”, cioè il primo riconoscimento per numero di copie vendute, lo si ottiene a quota 15mila mentre, per quel che riguarda gli album, è necessario venderne 25mila. Si tratta di numeri che 45 anni or sono avrebbero decretato l'assoluto fallimento di un progetto e, quasi sicuramente, il mancato rinnovo contrattuale da parte della casa discografica nei confronti dell'artista, che sarebbe probabilmente stato indotto a fare altro. Indubbiamente l'affermarsi dell'era digitale, dei social network, di internet, hanno contribuito in modo significativo a sconvolgere il mercato discografico in Italia e nel mondo. Come, indubbiamente, ad inquinare lo stesso mercato, è innegabile che sia un'iperproduzione di cd come mai in passato si era visto. Ma neppure questo basta a giustificare un crollo verticale di vendite discografiche senza precedenti. In Italia, fatta eccezione per i soliti nomi, per i quali bastano le dita delle due mani, per tutti gli altri protagonisti del mondo della musica, per sopravvivere, i proventi delle vendite discografiche e dei diritti d'autore non sono assolutamente più sufficienti. Occorrono le serate, molte serate. Al termine delle quali, personaggi anche di ragguardevole notorietà, vendono i loro dischi al pubblico su banchetti improvvisati all'ingresso dei locali. “Per arrotondare”, dicono alcuni. Un po' come fanno quelli che si cercano un secondo lavoro per potersi permettere qualcosa in più o, semplicemente, per poter arrivare alla fine del mese. Ma di occasioni per esibirsi ve ne sono sempre meno. Le piazze estive, un tempo sedi di innumnerevoli eventi, sono sempre più deserte. I Comuni non hanno più risorse per le spese primarie, talvolta neppure per l'emergenza. Ovvio che vengano meno spazi e opportunità dedicati all'evasione. E se pensiamo che dagli Stati Uniti giungono segnalazioni secondo le quali, per la prima volta, il numero di brani “scaricati” legalmente da internet ha superato quello dei cd venduti nei supermercati, appare evidente che ci troviamo al cospetto di una rivoluzione senza precedenti nel mondo della musica. Con la prospettiva che l'era dei computer comprometta anche la tracciabilità dei brani, poiché lo “scarico” della canzone non fornisce altre informazioni al di fuori del titolo del brano stesso e il nome del suo interprete. Precludendo quindi l'archiviazione, con il semplice acquisto del brano, che una volta queste informazioni le recava in copertina, di quei dati che dovrebbero rappresentare la storia della musica. A meno che ci si voglia dedicare a pazienti ricerche alle quali le nuove generazioni non sembrano troppo avvezze. Insomma, si naviga a vista, in attesa di capire dove si sta andando. Con una sola certezza: la musica potrà soffrire e sta tuttora soffrendo, ma non morirà mai.

Giorgio Pezzana

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