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Editoriale

LA CINQUINA VINCENTE DEGLI ANNI SESSANTA

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Negli anni '60 la musica italiana si giocò una vera cinquina vincente di artiste, che sono state poi per tutti noi un vero ponte culturale con l'Europa e i loro poeti: Milva, Ornella Vanoni, Patty Pravo, Mina, Iva Zanicchi. L'elemento caratterizzante di queste artiste fu l'espressione vocale accompagnata a quella gestuale. Dopo anni dunque di voci spiegate al vento ecco giungere parole sussurrate, mani che disegnano concetti nell'immaginario del pubblico, occhi che raccontano storie. Questa rivoluzione espressiva musicale fu immortalata attraverso una scatola, entrata allora da pochissimi anni nelle case e nei bar degli italiani, la tv. Possiamo affermare che fu proprio quella scatola, che finalmente permetteva agli artisti di riappropriarsi del proprio corpo, ad indurre in essi un cambiamento di approccio alla loro espressione musicale? Francamente non credo! Se andiamo alla ricerca del filo rouge che lega le nostre cinque fuoriclasse, ne troveremo il capo nel teatro e nelle importanti collaborazioni con poeti-musici stranieri. La storia è poi fatta di intrecci e congiunzioni trasversali e forse non è un caso che la tv in Italia, con il suo esordio nel 1954, si diffuse a macchia d'olio sul territorio nazionale intorno al 1956, anno della morte di Brecht di cui di lì a poco Milva sarebbe diventata straordinaria interprete grazie a Strehler. Ma Milva non fu la sola a uscire dal tempio teatrale di Milano, arrivò poi anche Ornella Vanoni, collaboratrice del grande poeta Vinicius de Moraes, con cui la stessa Patty Pravo duetto'; e non va certo dimenticata poi la collaborazione di Iva Zanicchi con il compositore Theodōrakīs. La rivoluzione espressiva di tali artiste non fu dunque a mio avviso un semplice effetto indotto dalla scatola tv, o per meglio dire dalla necessità per tali artiste di dover “superare” una sconosciuta macchina da presa per poter arrivare al grande pubblico a casa, bensì fu fortemente guidata dall'impellenza artistica di dover comunicare un testo letterario. E' lecito pensare che se nel 1954 quella scatola non fosse entrata nelle nostre case tale processo di evoluzione espressiva artistica, in quanto processo culturale, non si sarebbe comunque arrestato, ma avrebbe continuato ad animare i teatri ed i caffè letterari da cui era emerso. Una politica culturale nella programmazione televisiva degli anni '60 ha poi consentito dunque un processo di diffusione ed amplificazione di ciò che stava fermentando. La “distorsione”, avvenuta negli ultimi anni, della immagine Musica in tv attraverso la trasmissione di concerti da stadio in delirio, e dunque anche dei concetti in essa racchiusi, ha fatto sì che oggi per ritrovare poesia in musica siamo costretti nuovamente a frugare nei club, circoli letterari e teatri. La questione non è dunque riscoprire o reclamare ciò che oggi è ritenuto vintage, ma prendere atto che quella scatola è un registratore di ciò che siamo, ma non un vincolo alla musica che facciamo.

Alessia Arena

 

“L’isola dei burattini”, album di recente pubblicazione de I Musicanti del Vento, è un cd colto. E’ bene dirlo subito, con la consapevolezza degli effetti pruriginosi che talvolta il concetto di cultura produce. Ma anche chi si sta sfregando le mani pensando a quella cultura ermetica, fatta spesso di parole incomprensibili buttate in faccia a chi ascolta e che intanto non capisce (ma proprio per questo si entusiasma) non esulti, I Musicanti del Vento queste cose non le fanno.

 

Questo è un album pieno di bei testi ed ottimi arrangiamenti, il che non significa che la fusione di questi elementi produca sempre belle canzoni. Ma i testi, ad una lettura attenta, rivelano un retroterra meditato, sofferto, vissuto in prima persona o comunque con l’intensità di chi cerca di capire gli altrui affanni, facendoli propri. Musiche ed arrangiamenti partono dalla base più solida che banalmente si possa immaginare: l’avere a che fare con ottimi musicisti che non sgomitano per conquistare i riflettori, ma che sanno essere un insieme che si integra e si completa. Sia dal punto di vista della tecnica, sia da quello della cultura ( ci risiamo!) più propriamente musicale, che induce ad escursioni che spaziano dall’area mediterranea ai cieli grigi d’Irlanda, passando dai Balcani. E non manca qualche più o meno consapevole contaminazione: “Dans les banlieues” ha richiami fortemente gucciniani che attraversano e fanno vibrare note e percorsi etno-solidali mentre “L’isola dei burattini”, svela atmosfere vagamente est-europee che ritroveremo in altri brani. “La cacca” ha intenti ingenuamente provocatori, proprio per questo un po’ scontati, mentre si fanno introspettivi i toni di “Ai piedi del castello”. La fisarmonica coinvolgente ed intraprendente di Paolo Presta comincia a farsi sentire in modo inequivocabile in “”In cerca di qualcosa”, mentre “Fuga dallo zoo” premia l’originalità di un testo che sottintende quanto sia insidiosa una finta libertà alla quale ci si potrebbe anche abituare, al punto tale da ritenere scomoda e disagevole la libertà più vera. Interessanti anche il testo di “A testa in giù”, che musicalmente patisce però qualche concessione di troppo alla ripetitività. Lo spirito dei menestrelli cantastorie che in qualche modo appartiene al dna di questa formazione, emerge in modo più evidente dall’ascolto di “Musicanti di mestiere” che evoca atmosfere d’Irlanda grazie alle magie del violino di Antonio De Paoli. Ma per ascoltare uno dei brani più belli, se non il più bello in assoluto dell’intero album, occorre approdare alla traccia numero dieci, quella di “Umana follia”, in cui le parole e la musica di Fabio Nicoletti danno vita ad un intreccio di grande rilievo estetico ove la ricerca della rima esprime una naturalezza priva di forzature; il fraseggio musicale finale è davvero  sorprendente e coinvolgente. Un album di 14 brani non può però fisiologicamente non avere cali di tensione. E quelli ci sono, perlopiù nelle battute finali, quasi il progetto accusasse a quel punto una legittima stanchezza; “Al fondo dello stivale” non è oggettivamente una bella canzone ed altrettanto si potrebbe dire per “Cantando strade” anche se qualche interessante spunto sparso qua e là lo si rileva anche qui. Ma si risale immediatamente la china con “Turisti di mestiere”, brano di estrema delicatezza ed intensità che fa subito dimenticare le battute d’arresto delle due canzoni precedenti. Eppoi, si chiude in bellezza con “Filastrocca per bambini”, non una canzone epocale dal punto di vista musicale, ma ricca di ammonimenti e contenuti. Complessivamente dunque, un bell’album che si può ascoltare e riascoltare senza noia.

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Il Commento

MUSICA E ASCOLTO QUALCHE RIFLESSIONE

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Riprendiamo a facciamo nostre queste riflessioni di Saverio Mariani, cantautore e musicista, che ha postato questo scritto nel proprio sito (www.saveriomariani.com). Riguardano l'ascolto della musica, un tema che ci è caro e sul quale ci siamo già avvalsi del parere di altri personaggi che operano nel mondo musicale.

 

Alcune sere fa, a cena con degli amici, è venuta fuori la questione del come sia meglio ascoltare musica. Ho provato a dire la mia, ma in questi giorni ci ho pensato un po', e allora voglio darvi alcune linee guida che - secondo me - vi permetteranno di percepire al meglio tutto quello che la musica trasmette.

1. Come prima cosa: la musica va ascoltata senza fare nient'altro. Non è ascoltare davvero musica mentre si va in macchina, o mentre si legge, o mentre si prepara un ciambellone. La musica va ascoltata da fermi. Meglio con un impianto stereo con due casse, più un sub. Ma anche un buon paio di cuffie non vanno male. (Non gli auricolari, le cuffie!). Io vi consiglio sdraiati sul letto, oppure in poltrona, sorseggiando birra fresca (se è estate), o un tè caldo (se è inverno)!

2. I gruppi, la bands, i cantautori, vanno ascoltati "a disco". Che significa?  Significa che non è possibile capire bene la produzione musicale di una bands se non la si ascolta nel suo complesso. La produzione di un disco è una travagliata storia, per chi scrive e fa musica, e dentro quel disco ci sono cose che - magari - nel disco successivo non ci saranno. Sensazioni, emozioni, situazioni di vita, traumi, felicità... Ad esempio: non si possono mettere sullo stesso identico piano i Pink Floyd di The Dark Side of The Moon del 1973, e poi i Pink Floyd del 1994 con The Division Bell. (Sia chiaro: due capolavori, nel loro genere, affiancati da dischi di un valore assoluto, negli anni!)
Quindi il mio consiglio è: prendete un disco, e lo ascoltate dall'inizio alla fine. Sapendo almeno in che anno è stato registrato, per farvi un'idea del compositore, o dei compositori.

3. Notazione tecnica. Quando ascoltate musica (soprattutto come descritto sopra) provate a fare una cosa: cercate di percepire, nel flusso del suono, ogni strumento. La musica d'insieme è una costruzione mega-galattica di suoni, uno sopra all'altro. Ogni suono perfettamente incastrato con il precedente, il successivo, e quello degli altri. Provate a cogliere questo fondamentale dialogo interno, che c'è in una canzone, ché spesso è migliore del testo e della linea vocale del cantante.

I veri cultori di musica classica amano andare a teatro, a sentire musica dal vivo. Perché?
Non perché fa chic. O forse anche. Ma soprattutto perché il teatro è la riproposizione fisica di quello che vi ho scritto sopra: luogo silenzioso, ideale per la musica (nessun impianto hifi e nessuna cuffia, possono competere con l'acustica del teatro Regio di Torino, ad esempio), e capace di darti quella sensazione di etereo che solo la musica può darti.  Schopenahuer diceva che la musica è la migliore delle arti, perché non ha a che fare con il materiale (come invece la scultura, o la pittura). Si muove nell'aria, ti rimane in testa, e la puoi riprodurre anche vocalmente, in ogni momento.


Saverio Mariani

 

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